Renæssancekunst tidslinje

Renæssancekunst tidslinje

  • 1376 - 1455

    Livet for den italienske renæssancekunstner Lorenzo Ghiberti.

  • 1377 - 1446

    Livet for den italienske renæssancesarkitekt og billedhugger Filippo Brunelleschi.

  • c. 1390 - 1441

    Livet for den nederlandske renæssancekunstner Jan van Eyck.

  • 1397 - 1475

    Livet for den italienske renæssancekunstner Paolo Uccello.

  • c. 1415

    Den italienske renæssancekunstner Donatello fuldender sin skulptur af Saint George til Orsanmichele i Firenze.

  • 1420 - 1450

    Den italienske renæssancekunstner Donatello skulpturerer sin bronzede David i Firenze.

  • c. 1420 - 1492

    Livet for den italienske renæssancekunstner Piero della Francesca.

  • 1425 - 1452

    Den italienske renæssance -billedhugger Lorenzo Ghiberti arbejder på sit andet sæt døre, 'Paradisets porte', til dåben i Florens katedral.

  • c. 1430 - 1516

    Livet for den italienske renæssancekunstner Giovanni Bellini.

  • 1432

    Gent -altertavlen afsluttes af de nederlandske renæssancekunstnere Jan van Eyck og Hubert van Eyck.

  • 1435

    Den italienske renæssancesarkitekt Leon Battista Alberti skriver sin afhandling De pictura (om maleri).

  • 1436

    Den italienske renæssancekunstner Paolo Uccello fuldender sit ridefresko af Sir John Hawkwood.

  • 1446 - 1453

    Den italienske renæssancekunstner Donatello skaber sine bronzepaneler til højalteret i Basilica Sant ’Antonio i Padua.

  • c. 1450

    Den italienske renæssanceskulptør Lorenzo Ghiberti skriver sine kommentarer, en blanding af kunsthistorie og selvbiografi.

  • c. 1450 - 1523

    Livet for den italienske renæssancekunstner Pietro Perugino.

  • 1452 - 1465

    Den italienske renæssancekunstner Piero della Francesca producerer sin cyklus af kalkmalerier på legenden om det sande kors for San Francesco -kirken, Arezzo.

  • c. 1453

    Den italienske renæssancekunstner Donatello fuldender sin rytterstatue af Erasmo da Narni, Gattamelata ('honningkat') i Padua.

  • c. 1455

    Den italienske renæssancekunstner Piero della Francesca producerer sit malede panel Kristi flagellation.

  • c. 1456

    Den italienske renæssancekunstner Donatello skulpturerer sin træstatue af en angrende Maria Magdalene.

  • 1464

    Den italienske renæssancesarkitekt Leon Battista Alberti skriver sin afhandling om skulptur.

  • 1465 - 1474

    Den italienske renæssancekunstner Andrea Mantegna arbejder på sine kalkmalerier i Palazzo Ducale i Mantua.

  • c. 1465

    Den italienske renæssancekunstner Piero della Francesca producerer sin kalkmaleri Kristi opstandelse.

  • c. 1470

    Den italienske renæssancekunstner Piero della Francesca producerer sit portræt af hertugen af ​​Urbino, Federico da Montefeltro.

  • 1471 - 1528

    Livet for den tyske renæssancekunstner Albrecht Dürer.

  • c. 1474

    Den italienske renæssancekunstner Piero della Francesca skriver sin afhandling om perspektiv i maleri.

  • 1475 - 1564

    Livet for den italienske renæssancekunstner Michelangelo.

  • 1480 - 1484

    Den italienske renæssancekunstner Sandro Botticelli producerer sit maleri Venus 'fødsel.

  • c. 1480

    Den italienske renæssancekunstner Giovanni Bellini fuldender sin Ecstasy of Saint Francis -maleri.

  • c. 1482

    Den italienske renæssancekunstner Sandro Botticelli producerer sit Primavera -maleri.

  • c. 1487 - 1576

    Livet for den italienske renæssancekunstner Titian.

  • 1490 - 1492

    Den italienske renæssancekunstner Sandro Botticelli producerer sit klagesang over den døde Kristus -maleri.

  • c. 1492

    Leonardo da Vinci fuldender sin 'Vitruvian Man' -skitse.

  • 1497 - 1500

    Den italienske renæssancekunstner Michelangelo arbejder på sit mesterværk Pieta.

  • c. 1497 - 1543

    Livet for den tyske renæssancemaler Hans Holbein den Yngre.

  • c. 1498

    Leonardo da Vinci fuldender sit fototapet 'Den sidste nadver' i Milanos Sante Maria delle Grazie.

  • c. 1500

    Den italienske renæssancekunstner Sandro Botticelli producerer sit Mystic Nativity -maleri.

  • c. 1500

    Den italienske renæssancekunstner Giovanni Bellini fuldender sit portræt af Doge Leonardo Loredan.

  • c. 1503 - c. 1506

    Leonardo da Vinci fuldender sit maleri 'Mona Lisa'.

  • 1504

    Den italienske renæssancekunstner Michelangelo fuldender sit mesterværk statuen af ​​David.

  • c. 1504

    Den italienske renæssancekunstner Raphael fuldender sit jomfruægteskab.

  • 1504

    Den tyske renæssancekunstner Albrecht Dürer skaber sit Adam og Eva -tryk.

  • c. 1505

    Den italienske renæssancekunstner Giovanni Bellini fuldender sin altertavle for San Zaccaria -kirken i Venedig.

  • 1507

    Den italienske renæssancekunstner Raphael fuldender sit maleri Kristi begravelse (alias The Deposition).

  • 1508 - 1512

    Den italienske renæssancekunstner Michelangelo arbejder på sit maleri af det sixtinske kapelloft i Rom.

  • 1511

    Den italienske renæssancekunstner Raphael fuldender sine kalkmalerier i Stanze della Segnatura i Vatikanet, som omfatter Athens Skole.

  • c. 1518 - 1594

    Livet for den italienske renæssancemaler Tintoretto (Jacopo Robusti).

  • c. 1520

    Den italienske renæssancekunstner Michelangelo fuldender sin mesterværkestatue af Moses til graven til pave Julius II.

  • c. 1525

    Den tyske renæssancemaler Hans Holbein den Yngre skaber sin serie med 41 tryk Dødedansen.

  • 1536

    Den tyske renæssancemaler Hans Holbein den Yngre bliver hofmaler af Henry VIII af England.

  • 1545 - 1554

    Den italienske renæssancekunstner Benvenuto Cellini arbejder på sin bronzeskulptur af Perseus og Medusa.

  • 1548

    Den italienske renæssancekunstner Tintoretto producerer sit berømte mirakel af Sankt Mark, der redder et slave -maleri.

  • 1564 - 1481

    Den italienske renæssancekunstner Tintoretto arbejder på sin cyklus af malerier til Venedigs Scuola Grande di San Rocco.

  • c. 1570

    Den italienske renæssancekunstner Tintoretto fordømmer sit maleri af Saint George and the Dragon.


Renæssance til post -impressionisme

Tidlig renæssance, centreret i det 14. til 15. århundrede, Italien, var en periode med dramatisk og total forandring. Det var genfødsel af dybe intellektuelle ideer og klassiske humanistiske værdier. Gamle græske og latinske tekster blev genopdaget og undervist til håbefulde studerende. I denne nye periode, hvor humanismen begyndte at stige, begyndte kunstnere at sætte mere værdi i mennesker selv frem for guder og gudinder. Malere efterlignede stilen med klassiske malerier med vægt på symmetri og perfekt form.

Berømte kunstnere og deres kunst:
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
"Gates of Paradise" (1450)

Donatello (1386-1466)
& quot; David & quot (1440)

Fra Angelico (1395-1455)
Annonceringen & 1450

Sandro Botticelli (1445-1510)
La Primavera (1482)

Høj renæssance

Højrenæssancen var ligesom den tidlige renæssance centreret i Italien. I denne periode blev den kunstneriske værdi og stil fra værkerne i det antikke Rom og Grækenland genoprettet. Den viden, der blev opnået fra disse gamle kunstværker, samt teknikkerne, der blev lært i den tidlige renæssance, blomstrede i værkerne fra højrenæssancen. Malerierne fra denne periode viser, at kunstnerne brugte oliemaling, mestrede færdighederne i meget indviklede ansigtsudtryk og brug af forskellige farvetoner,

Kunstnere under højrenæssancen var ekstremt ambitiøse-Det var deres mål at bygge op på den viden, de gamle kunstnere fik. Berømte kunstnere fra denne periode var multi-talentfulde. Leonardo da Vinci var for eksempel en kunstner, videnskabsmand, ingeniør, opfinder, anatom, filosof og meget mere. Michelangelo var også meget talentfuld, han var en maler, en billedhugger og en meget begavet digter. Den viden, der er opnået i denne æra, er stadig vigtig og vigtig i dag.

Berømte kunstnere og deres kunstværker:

Michelangelo
& quot; David & quot (1504)

Raphael
"Madonna del Parto"

Titian
& quotAssumption of the Virgin & quot (1518)

Giorgione
"De tre filosoffer" (1509)

Manérisme

Manérisme bruges til at beskrive kunstværker fra Italien, og "Nordisk manisme" bruges til at beskrive manéristiske malerier fra Nordeuropa. De kunstværker, der blev skabt i denne periode, var drastisk forskellige fra renæssancens. Det var en anden æra med unikke ændringer.
Manérisme var en tid, hvor kunstnere malede med overdrevent forvrængning, bizar positionering af menneskelige kroppe og tvetydige rum. Man kan sige, at disse malerier var & quotmannered & quot, med kompleksitet og de dybe betydninger bag figurer, der var både naturlige og fantasifulde på samme tid.

Kunstnere og deres kunstværker:
Anglo
& quotAn Allegory of Venus and Cupid & quot (1545)

Parmigianino
"Madonna dal Colla Lungo" (1535)

Michelangelo
"Den sidste dom" (1541)

Giambologna
"Voldtægten af ​​Sabine -kvinderne" (1582)

Benvenuto Cellini
& quotPerseus med chefen for Medusa & quot (1541)

Jacopo Pontormo
"Joseph i Egypten" (1518)

Bronzino
& quotPortræt af Bia de 'Medici & quot (1545)

Giuseppe Arcimboldo
& quotAfterår & quot (1573)

Barok Art

I år 1517 sendte Martin Luther King sine & quot95 Theses & quot, som var et papir, der kritiserede den katolske kirke stærkt på grund af dets grådighed og magtmisbrug. Martin Luther King syntes, det var forkert og uretfærdigt, at den katolske kirke kun reddede mennesker fra synd, hvis de var loyale og trofaste-det virkede som om gode gerninger slet ikke havde betydning. Som svar blev den katolske kirke delt, og protestanterne dukkede op for at opretholde Martin Luther Kings ideer.

Denne religiøse reformation påvirkede stærkt kultur, politik og vigtigst af alt kunst.
Denne begivenhed skabte en betydelig periode i kunsthistorien kaldet & quot; Barque Art & quot, som var centreret i Rom, men til sidst spredte sig til det meste af Europa. Barokkunst var meget forskellig fra kunsten i renæssancen eller under manismen. Malerierne var normalt direkte, indlysende og dramatiske. Kunsten er også meget tæt på virkeligheden-mange mennesker var i stand til at forbinde med dem. Brugen af ​​farve er også et vigtigt aspekt af barokkunsten. Barok kunstnere brugte meget dramatiske farver og elskede kontrast, såsom sort og hvid, lys og mørk. En stor forskel fra renæssancekunst er, at barokkunsten har mange overlappende figurer, mens renæssancekunstnere malede figurer så realistisk som muligt.

Berømte kunstnere og kunst:
Giovanni Lorenzo Bernini
& quot; Ecstasy of St. Teresa & quot (1652)

Caravaggio
Konverteringen på vej til Damaskus & quot (1601)

Peter Paul Rubens
"De fire kontinenter" (1615)

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
"Afstamning fra korset" (1634)

Diego Valazquez
Las Meninas (1656)

Rokoko Art

Louis XIV var kongen, der regerede Frankrig i 72 år og 110 dage. Hans død i 1715 skabte et skift fra monarki til et aristokrati. Som reaktion på denne ændring i lederskab opstod denne nye kunststil, rokoko. Rokokokunst var centreret i Frankrig, og i stedet for at bruge dramatiske farver brugte den bløde pastelfarver. Malerierne og andre former for kunst i denne periode skildrede ofte det rige aristokratiske liv. Mytologiske temaer var ofte en stor del af kunsten, og mange kunstnere formidlede underliggende ideer som skønhed, romantik, legende eller måske seksuelle symboler.

Berømte kunstværker:
Jean-Antoine Watteau
"Ombordstigning til Cythera" (1717)

Francois Lemoyne
& quotHercules and Omphale & quot (1724)

Jean-Baptiste van Loo
"Triumfen i Galatea" (1720)

Francis Hayman
& quotDancing Milkmaids & quot (1735)

Jean-Honore Fragonard
"En ung pige læser" (1776)

Jean-Antoine Watteau
& quotPilgrimsbillede til Cythera & quot (1717)

Jean-Honoré Fragonard
"Svinget" (1767)

Romantik

Efter den franske revolution i 1784, da de almindelige borgere havde en stor kamp med de rige aristokrater, var Europa midt i politiske kriser, krige og dramatiske ændringer. Som reaktion på den kaotiske tilstand i Europa begyndte en ny kunstperiode kaldet & quotRomanticism & quot i Tyskland, som til sidst spredte sig gennem Frankrig, Storbritannien og andre europæiske lande.
Som tilføjelse til nøgleelementerne i neoklassisk kunst, som var respekt og ansvar, havde romantikken vægt på følelsesmæssige og åndelige aspekter af livet. Kunstnere skabte kunst, der repræsenterede de uopnåelige ideer. Midt i kaos i Europa lavede kunstnere kunst, der fik folk til at føle en nostalgi. Mange mennesker ville tilbage til de tider, hvor tingene var mere fredelige og mere afslappede.

Berømte kunstværker:
Karl Friedrinch Schinkel
Gotisk katedral ved vandet (1813)

John Constable
"Hay Wain" (1821)

J.M.W. Turner
"Slaveskibet" (1840)

Theodore Gericault
"The Raft of Medusa" (1819)

Eugène Delacroix
"Liberty Leading the People" (1830)

Caspar David Friedrich
"Vandrer over tågehavet" (1818)

Henry Fuseli
& quot; Mareridtet & quot; (1781)

Impressionisme

Impressionisme markerer skiftet fra traditionel europæisk kunst til moderne kunst, således kendt som den første moderne kunstbevægelse. Denne kunststil stammer fra Paris, Frankrig, og den spredte sig til sidst til USA og flere andre dele af verden. Impressionistiske malere blev afvist fra berømte statsstøttede udstillinger, saloner og lejede et atelier og fremviste deres værker. Deres malerier blev imidlertid ikke værdsat, men de rejste nogle kritikere. Kritikerne sagde, at malerierne virkede ufuldstændige og kun efterlod et flygtigt & quotimpression & quot, Lidt vidste kritikerne, det var præcis det malerne forsøgte at fange-et indtryk.

Impressionistiske malerier er meget unikke og mere & quotmoderne & quot; i forhold til de andre kunststilarter, der er nævnt tidligere. Kunstnerne studerede optisk fysik, og de havde succes med at skabe en mere præcis fremstilling af farver og toner. De påførte flere farver maling i mindre detaljer, uden særlig præcision eller detaljer. Der var mange malerier, der skildrede et særligt glimt af en scene udenfor.

Berømte kunstværker:
Edouard Manet
& quotLe dejeuner sur l 'herbe & quot (1863)

Berthe Morisot
"I en park" (1874)

Camille Pissarro
Boulevard Montmatre om en vintermorgen "(1897)

Claude Monet
& quotImpression Sunrise & quot (1872)

Pierre-Auguste Renoir
"Dans på Le Moulin de la Galette" (1876)

Edgar Degas
Balletklassen (1874)

Berte Morisot
"Vuggen" (1872)

Claude Monet
& quotCoquelicots, La promenade & quot (1873)


Renæssancearkitektur

Vores redaktører vil gennemgå, hvad du har indsendt, og afgøre, om artiklen skal revideres.

Renæssancearkitektur, arkitekturstil, der afspejler genfødslen af ​​den klassiske kultur, der opstod i Firenze i begyndelsen af ​​1400 -tallet og spredte sig i hele Europa og erstattede den middelalderlige gotiske stil. Der var en genoplivning af gamle romerske former, herunder søjlen og rundbuen, tunnelhvelvet og kuplen. Det grundlæggende designelement var ordren. Kendskab til klassisk arkitektur kom fra ruinerne af gamle bygninger og Vitruvius skrifter. Som i den klassiske periode var andelen den vigtigste skønhedsfaktor Renæssancearkitekter fandt en harmoni mellem menneskelige proportioner og bygninger. Denne bekymring for proportioner resulterede i klart, let forståeligt rum og masse, som adskiller renæssancestilen fra den mere komplekse gotiske. Filippo Brunelleschi betragtes som den første renæssancesarkitekt. Leon Battista Alberti Ti bøger om arkitektur, inspireret af Vitruvius, blev en bibel om renæssancearkitektur. Fra Firenze spredte den tidlige renæssancestil sig gennem Italien. Donato Bramantes flytning til Rom indledte højrenæssancen (c. 1500–20). Manérisme, stilen ved senrenæssancen (1520–1600), var præget af sofistikering, kompleksitet og nyhed frem for harmonien, klarheden og roen i højrenæssancen. Senrenæssancen oplevede også meget arkitektonisk teoretisering, idet Sebastiano Serlio (1475–1554), Giacomo da Vignola (1507–73) og Andrea Palladio udgav indflydelsesrige bøger.


Praktiske sider

Pre-renæssance til 1700-tallet

Jeg har oprettet tidslinjer for kunstbevægelser

På grund af filernes størrelse har jeg delt tidslinjen i 4 sektioner:

  • Pre-renæssance – 18. århundrede
  • 1800 -tallet til slutningen af ​​det 19. århundrede
  • 20. århundrede indtil moderne kunst
  • Moderne kunstbevægelser

Denne uges tidslinje er præ-renæssance – 18. århundrede

Klik her for at downloade din 9 sider

Jeg har givet en grundlæggende definition af hver kunstbevægelse og inkluderet datoerne og navnene på grundlæggerne og de mest fremtrædende kunstnere i denne bevægelse. Hver kunstner har et miniaturebillede af deres arbejde. Jeg har placeret hver kunstbevægelse på en ny side for klarhed og for at hjælpe med at studere forskellige epoker.

Dette diasshow kræver JavaScript.

Brug tidslinjen på flere måder:

  • Udskriv som en kunstbog over århundreder, eller tilføj til en studerendes egen århundredes bog
  • Klip og indsæt siderne ende-til-ende som en kunsttidslinje
  • Klip ud og tilføj kunstnerne og deres miniaturebilleder til en dedikeret kunsttidslinje eller en eksisterende tidslinje
  • Laminer og skær kunstnerne som kort, og lad børn matche kunstnerne til tidsaldre

Inkluderet i denne download er følgende kunstbevægelser:


Pre-renæssance
Gotisk kunst
Byzantinsk kunst
Renæssancen
Den tidlige renæssance
Højrenæssancen
Den nordlige renæssance
Manérisme
1600 -tallet
Barok Art
1700 -tallet
Rokokostilen
Nyklassicisme
Akademisk kunst
Japansk Ukiyo-e

Jeg fik alle oplysninger til denne tidslinje fra Artcyclopedia.com.

Jeg vil snart uploade de følgende 2 tidslinjer, så tilmeld dig en e -mail -meddelelse eller læg mit RSS -feed på din hjemmeside! (Du finder dette på min sidebar lige under min Gravatar.)


Udvidelse

En introduktion til en række kunstbevægelser, der har præget forløbet i den vestlige kunsthistorie.

Velkommen til vores kunsthistorie tidslinje!

Vi har skabt denne tidslinje for at illustrere ASLCORE -tegn for de forskellige kunstbevægelser, deres kronologi, deres forløbere, den indflydelse de havde på senere bevægelser og overgangene mellem dem.

De forskellige teknikker og kunstneriske stilarter, der har udviklet sig over tid, vil blive undersøgt.

Når du ser forklaringerne og eksemplerne på den tids kunstværker, vil du se, hvordan kunsten selv informerede skabelsen af ​​disse nye foreslåede tegn, og hvordan tegnene selv fremhæver bemærkelsesværdige aspekter af bevægelserne.

Kunstværker fra hver sats er timet til at blive vist, da forskellige aspekter diskuteres.

ASL -forklaringen plus diasshows af kunstværket vil bidrage til din forståelse af emnet.

Det er vigtigt at bemærke, at alle datoer, der er nævnt for begyndelsen og slutningen af ​​bevægelser, er omtrentlige.

På grund af den flydende karakter af kunstnerisk evolution er der ingen præcise afgrænsninger for, hvornår en bevægelse eller stil begynder eller slutter.

Vi har omhyggeligt valgt kunstværker, som er de tydeligste eksempler, der angiver den særlige bevægelse og/eller stil.

Valgene på denne tidslinje vil give et godt udgangspunkt for dig til at udforske yderligere, da det ville være umuligt at vise hele korpuset af en tidsperiode i en video.

Denne tidslinje koncentrerer sig om vestlig kunst, da de fleste indledende kunstklasser primært understreger denne tradition.

Men hvis dine interesser ligger i afrikansk eller asiatisk kunst, er der andre ressourcer til rådighed for dig at opdage.

Deltag, mens vi dykker ned i kunsthistoriens tidslinje!

Early Western Art begynder omkring året og varer indtil 1400.

Selvfølgelig var der før denne tid masser af kunst i verden!

Forskellige kulturer, såsom grækerne, romerne og egypterne, skabte malerier, skulpturer og andre medier, der stadig eksisterer.

Men det, der typisk omtales som vestlig kunst, begynder i denne tidsperiode og er primært placeret i det område, der er defineret som Europa.

Fordi de fleste mennesker på det tidspunkt var analfabeter, var kunst overvejende religiøs.

Kirkegængere kunne ikke få adgang til oplysningerne i bibler eller andre tekster, men modtog i stedet religiøs undervisning ved at se på dekorationerne omkring dem, mens de tilbad.

Bibelske historier, helgenes liv og religiøs undervisning var alle at finde i malerier og skulpturer i kirken.

I løbet af denne periode kunne kunstnere ikke udøve frihed til at forfølge deres kunst på nogen måde, de valgte.

I stedet eksisterede der stærke kunstneriske konventioner, som de skal overholde, og derfor blev de visuelle ligheder begrænset.

For eksempel forsøgte malerierne ikke at skildre realistiske faksimiler af mennesker eller steder.

De var flade, uden brug af perspektiv eller forsøg på at tilnærme det tredimensionelle rum.

Der er flere bevægelser i tidlig vestlig kunst, herunder byzantinsk, romansk, middelalderlig og gotisk.

Du vil bemærke, hvordan kunsten i disse tidsperioder ændrede sig over tid.

Byzantinsk kunst spænder over perioden fra 330 til 1450.

Der er faktisk et par bevægelser, der indtager denne æra, men byzantinsk er den lettest genkendelige.

Stilen er konsistent på tværs af tider, steder og kunstnere.

Kunstnerne kunne ikke følge deres egne muser og forfølge deres egne stilarter eller kreative fantasier.

De var nødt til at følge strenge standarder for dagen og indarbejde visse elementer, hvilket resulterede i kunstværker, der lignede meget.

Et eksempel på dette er de flade farver, der bruges til baggrunde, hvor menneskelige motiver vender lige frem mod beskueren.

Billederne var ret flade, der var ikke noget forsøg på at vise perspektiv eller realistisk gengivelse.

Ansigter blev aldrig vendt til profil, men altid vendt fremad mod seeren.

Ofte blev der brugt ikoner, der bar religiøs, symbolsk betydning, som seerne forstod dengang.

Billeder som blomster, træer eller får kan forekomme i byzantinske malerier, hver med en indlejret symbolik.

Farve blev brugt i vid udstrækning, stærke, almindelige farver som rød eller blå, med hyppig brug af guld.

Ofte vil motivet i maleriet have en strålende gylden glorie omkring hans eller hendes hoved, en konvention, der startede i byzantinsk tid og fortsatte længe forbi den.

Små fliser konfigureret til at danne billeder - kaldet mosaikker - blev oprettet under denne bevægelse.

Disse var normalt store stykker placeret på kirkens vægge og lofter for at inspirere og løfte sognebørn, mens de tilbad.

Fordi få mennesker var læsefærdige, tjente kunstneriske fremstillinger af bibelske historier som den instruktion, som var utilgængelig for dem fra skrevne tekster.

Helliges liv og andre bibelhistorier blev vist til vejledning i menigheden.

Byzantinsk kunst omfattede mosaikker samt udsmykkede manuskriptkunst med visse bogstaver og ord illustreret detaljeret.

Strålende farver og fine linjer blev brugt.

Byzantinsk kunst er kendt, fordi det etablerede det visuelle ordforråd for metaforer, symboler og motiver, der finder ekko i romansk, gotisk og andre efterfølgende kunstbevægelser.

Romansk kunst indtager et kort tidsrum inden for den overordnede byzantinske kunstbevægelse.

Det navngiver en nyere arkitekturstil, der opstod og bryder fra den tidligere æstetik.

Romanske bygninger havde en tendens til at blive bygget lavere til jorden med tunge, tykke vægge og understøtninger, nogle gange med afrundede tårne.

Døråbninger var ikke den traditionelle rektangulære form, men i stedet buede til en bue.

Mosaik blev vist, ligesom høje, buede vinduer.

Kirkerne blev højere nu, og da menighederne kom ind, blev deres blikke rettet opad mod deres himmelske inspiration.

Middelalderkunst var mellem årene 800 og 1300 e.Kr.

Du er måske nysgerrig efter ASLCORE -skiltet til middelalderen.

For det første refererer det til størrelsen på det kunstværk, der blev skabt under denne bevægelse - som havde en tendens til at være ret stor.

Den anden grund har at gøre med maleriernes menneskelige emner.

De var ofte skildringer af helgener eller religiøse figurer, hvis guddommelighed blev angivet ved tilstedeværelsen af ​​glorier, nogle gange i guldfiligran.

Denne funktion fungerer som et kendetegn for middelalderens kunst.

Vi blandede disse to begreber sammen for at skabe et tegn, der afspejler begge ideer.

Når du undersøger byzantinsk og middelalderlig kunst side om side, vil du måske bemærke, at de er ret ens-mest markant, de er begge flade/todimensionelle i udseende, med mennesker, der ser næsten klistret ud på overfladen og flyder umøjeligt i rummet.

Begge stilarter gør stor brug af symbolik og visuel metafor.

Der er intet forsøg på realisme eller naturlig gengivelse, intet perspektiv.

Kunstnere kunne ikke udøve autonomi om deres valg af emne og stil, men var i stedet bundet af deres tids kunstneriske dikter, hvilket skabte mere ensartethed på tværs af billeder.

Både byzantinsk og middelalderlig kunst skildrede religiøse temaer og bibelsk instruktion.

Middelalderstykker adskilte sig imidlertid i et bemærkelsesværdigt aspekt: ​​kunstnerne brugte rige, dyre materialer, der skabte smukke kunstværker.

Ægte guld blev sat på lærredet, ligesom dyrebare juveler og pigmenter og dekorationer.

Mens byzantinsk kunst havde begrænset rækkevidde, havde middelalderlig kunst forskellige datterselskaber inden for den.

Der var de tidligere mosaikker og malerier, men nu også skulpturer og gobeliner og utrolig udsmykkede manuskriptkunst.

Det er også i middelalderen, at du kan bemærke ændringerne i arkitekturen.

De tidligere år med bevægelsen følger den mere romanske følsomhed, men som tiden går er der en udvikling mod den gotiske stil.

Gotisk kunst blev skabt mellem årene 1150 til 1400.

Tidligere blev mennesker i malerier placeret mod flade baggrunde, ikke beregnet til at se realistiske ud, men i stedet tjene en symbolsk funktion.

Gotisk kunst præsenterer kunstnere, der stræber efter realisme hos de mennesker, de søgte at skildre.

Der var imidlertid endnu ikke noget systematisk forsøg på perspektiv, og baggrunde forblev flade og statiske.

Læg mærke til i disse eksempler på gotisk kunst, hvor detaljeret og pyntet kunsten er blevet!

I arkitekturen i den æra gav de tidligere romanske strukturer, der var tykkere og tungere, plads til bygninger, der var mere åbne, luftige og lyse.

Ved at komme ind i en gotisk katedral ville sognebørn støde på imponerende høje rum med akut vinklede tage og spidse buelove.

Et bestemt strukturmønster understøttede højderne, kaldet ribberede hvælvinger.

Detaljerede farvede glasvinduer blev brugt i vid udstrækning langs galleriets vægge, der skildrede religiøse historier til at instruere menighederne.

Renæssance- og postrenæssancekunst strækker sig fra omkring 1300 til 1850.

Mere dramatiske ændringer er mærkbare på kortere tid end nogen tidligere bevægelser.

Før denne æra havde kunstnere været begrænset af strenge konventioner og kunne ikke udøve kreativ autonomi til at forfølge deres egne stilarter, hvilket fik den mest kunst til at skelnes.

Emnet var overvejende religiøst.

Med renæssancens fremkomst ændrede alt dette sig dramatisk!

Kunstnere fulgte deres muser, hvilket resulterede i, at individuelle stilarter let blev anerkendt som deres unikke.

Selvom religiøse emner stadig var populære, kunne andre nu også undersøges.

Mytologiske fortællinger, litteratur og skildringer af prosaisk menneskelig erfaring var alle foder til kunstnere, der arbejdede under renæssancen og efter renæssancen, og frigjorde store kreativitetskilder.

Betydningen af ​​denne tidsperiode kan ikke overvurderes, da de resulterende kanoner påvirkede stort set alle kunstbevægelser, der fulgte.

Renæssancen kan betragtes som katalysator for mange efterfølgende bevægelser, såsom manisme, barok, rokokko, nyklassicisme og romantik.

Renæssancen begyndte i år og fortsatte indtil 1520.

Ordet "renæssance" betyder bogstaveligt talt "genfødsel", og dengang blev genfødt klassisk græsk og romersk følsomhed og æstetiske idealer.

I de perioder, der gik forud for renæssancen - byzantinsk og romansk og gotisk - så kunsten meget meget ud uanset hvem der skabte den.

Men renæssancekunstnerne var klar til at se bort fra de konventioner, der var blevet lagt på dem, og give deres kreativitet frie tøjler, udforske deres egne forestillinger om skønhed og hvordan de valgte at udtrykke deres personlige æstetik.

En af de mest bemærkelsesværdige ændringer var i, hvor realistisk kunsten blev, især i opmærksomheden på fysisk proportionalitet, når man skildrede mennesker.

Vener, muskel- og skeletstrukturer blev alle realistisk gengivet i stedet for at flade kroppe stirrede lige frem i et todimensionalt plan.

I tidligere bevægelser, for at angive himlen, var baggrunde normalt almindeligt blå påført fladt på overfladen.

Nu var landskaber et fair spil, med kulisser af bjerge og søer i baggrunden.

Sofistikeret brug af perspektiv kunne nu ses og viser forskellige scener og aktiviteter med konvergerende forsvindende punkter for at trække seernes opmærksomhed tilbage i lærredet og tilnærme sig tredimensionelt rum.

De anvendte farver blev også mere varierede, da kunstnere eksperimenterede med oliemaling, der tillod blanding og lagdeling på forskellige måder.

En teknik kaldet chiaroscuro blev populær, da kunstnere udforskede grænsekanten mellem fremhævning og mørke på emner.

Der var tre kilder til emne, der gentog sig under renæssancen: religiøse temaer forblev naturligvis stærke, klassiske græske fortællinger og myter, og nu blev der vist verdslige oplevelser, der fanger øjeblikke i almindelige menneskers liv på det tidspunkt.

Humanisme - tanken om, at folks skæbner måske ikke nødvendigvis var uden for deres kontrol - var en ny idé, der dukkede op.

Kunstnere blev endelig anerkendt og æret for deres talenter, og velhavende familier tjente som lånere, bestilte værker enten til privat nydelse eller økonomisk sponsorering af værker, der blev vist i kirker.

Kunstnere blev ikke længere set som udskiftelige håndværkere, men som respekterede udøvere af deres håndværk.

Manisme er en bevægelse, der begyndte omkring 1520 og varede indtil 1580.

Det er en subsidiær bevægelse, der forekommer under renæssancen.

Det æstetiske på dette tidspunkt tog den ideelle menneskelige form og derefter overdrevne aspekter af det, som du kan se på maleriet udstillet her.

Læg mærke til kvindens perfekt formede, men alligevel aflange hals.

Mens kompositionens vægt tidligere var balance og symmetri, valgte manieristiske kunstnere et bestemt element i stykket og understregede det, som for at gøre opmærksom på, at det var "for perfekt."

Barokkunst varede fra 1600 til omkring 1700.

Den foregående periode - manisme - understregede den perfektion, der fremgik af kunsten på det tidspunkt, i den grad, at det virkede urealistisk, umuligt, at en sådan perfektion overhovedet kunne eksistere i denne verden.

Barokkunstnere forsøgte at skildre mere realisme i deres arbejde, hvor den mest oplagte afvigelse fra tidligere bevægelser var skildringen af ​​emner, der var involveret i scener med intens handling.

I stedet for statiske stillinger var indstillingerne nu fulde af dynamisk bevægelse og interaktioner. Disse kunstværker havde til formål at fremkalde følelser hos seerne, da deres øjne scannede de spændende historier, der udspiller sig for dem.

Sammensætninger var asymmetriske med stærke diagonale linjer, der understregede bevægelse.

Der var normalt en stærk lyskilde, som skabte perfekte betingelser for at anvende chiaroscuro -teknikken.

Barokke malerier fokuserede på religiøst emne, scener af historisk betydning eller myter og fantasi.

Der er også en arkitektonisk stil forbundet med barokperioden.

I stedet for at være let og luftig, er det præget af tunge strukturer med en overflod af ornamentik, der bruger rige materialer som guld og sølv.

Rokoko -perioden strækker sig fra 1700 til 1775.

Det blev initieret i Frankrig af kunstnere, der så skævt på det barokke kunstværk, der blev produceret i Italien.

De ville skabe deres egen stil ved at anvende blødere farver, pink, lyseblå, hvide samt understrege kurver og svingende former.

Belysningen var blød og diffus, lys, men ikke så tydeligt.

Symbolik og metafor var til stede i mange af elementerne i kunstværket.

Historierne, der blev fortalt, syntes at være enkle og ubehæftede, der viser par, der bejler, sidder på gynger og nyder et let liv.

Men på lur bag dette ubekymrede ydre var der nogle gange advarselshistorier for at advare beskueren om potentielle fejltagelser at være opmærksom på i deres eget liv.

Rokoko er en smuk, elegant, sofistikeret kunstform.

Neoklassicisme varede fra 1765-1850, den præsenterer en modsat kunstnerisk følsomhed for rokokokunstens legende, lethjertede natur.

Neoklassicismen lyttede tilbage til antikkens græske og romerske æstetik og brugte mere balance, symmetri og formelle strukturer.

Der var ingen flydende og flydende følelse, men derimod alvorlige linjer.

Farvepaletten var mere smal, og formerne var geometriske og præcise.

Ligesom politiske strukturer blev mere ordenlige, omskrevne og regimenterede, var det også nyklassisk kunst.

Romantikken fandt sted mellem 1765 og 1850.

Som reaktion på nyklassicismens stærke geometriske nøjagtighed, der understregede græsk og romersk orden og balanceret perfektion, ønskede romantikken i stedet at formidle omskiftelser i menneskelige følelser.

Det søgte at plumb dybderne i menneskelig erfaring og skildre scener, der ville appellere til enhver forstand.

Ofte fokuserede emnet på mennesker i naturen og udforskede deres relation til og interaktion med miljøet omkring dem.

Målet med romantisk kunst var at skildre åbenlyse, stærke følelser.

Moderne kunst begyndte i 1850'erne og fortsatte ind i det 20. århundrede og videre.

Det 19. århundrede oplevede fremkomsten af ​​øget industrialisering, fremskridt inden for transportformer, teknologi og store innovative spring, stort set som et resultat af opdagelser foretaget i forrige fornuftsalder.

Videnskabelige opdagelser og metoder fandt sted parallelt med nye måder at engagere sig i religiøse konstruktioner, hvilket betyder, at den sekulære og den ikke-sekulære tankegang ikke længere var i konkurrence.

I stedet kombinerede de kræfter for at sætte gang i håbet om, at menneskeheden kunne opnå et ideal, og himlen var grænsen!

Tidens kunstnere var gennemsyret af denne tidsånd og søgte at afspejle den på nye udtryksmåder ved hjælp af eksperimentelle former og materialer i håb om nøjagtigt at skildre den sociale atmosfære og spændende ændringer, der fandt sted i løbet af deres tid.

Det overordnede tema for moderne kunst omfatter flere bevægelser.

Et udsnit af dem inkluderer: Realisme, impressionisme, postimpressionisme, art deco, art nouveau, kubisme, surrealisme, harlemrenæssancen, futurisme, popkunst og mange andre, vi vil introducere for dig!

Realismen strakte sig fra 1840-1880.

Kunstnere, der blev voksne i løbet af romantikken, følte, at al den overfyldte følelse ikke nødvendigvis afspejler sandheden i emnet.

De besluttede at skildre det prosaiske liv, de så omkring dem, realistisk udseende mennesker i realistiske scener og udføre hverdagslige aktiviteter.

Kunstnere stolede på oplevelsen af ​​at observere deres eget liv og den sociologiske og historiske tid, de levede i, og derefter skildrede den trofasthed på lærredet.

Impressionismen begyndte omkring og varede indtil 1890.

Den foregående bevægelse af realisme fokuserede på at vise verden omkring kunstneren, bestræbe sig på at bruge præcise detaljer til at skildre hverdagens oplevelser for mennesker og insistere på, hvad de så som ægthed på lærredet.

Men nu vendte en gruppe kunstnere rundt omkring deres opmærksomhed på sammenhængen mellem farve og lys, hvordan forskellige kvaliteter af lys og mørk atmosfære ville informere opfattelsen af ​​form og farve.

Efterhånden som lyskilder skiftede i intensitet og vinkel, ville den måde, motivet ville se ud for øjet, som det fremgår af ændringer i farve.

Kunstnere blev besat af ikke kun emnerne, men atmosfæren og spillet af reflekteret lys på de overflader, der definerede emnerne.

Brugen af ​​klart definerede linjer og detaljeringsnøjagtighed var ikke privilegeret, erstattet i stedet med åben penselstrøgsteknik.

Mens dukkerne var blevet værdsat for flade overflader uden synlige anvendelser af maling, var hvert strøg nu fedt og defineret, hvilket tilføjede tekstur til det sædvanlige todimensionale plan.

I naturen præsenterer verden sig ikke som flad og glat.

Lys hopper, bryder og danser på modulerede facetter af alt det rører ved, og kunstnere stræbte efter at fange den vibration.

Nogle kunstnere valgte at repræsentere det samme sted igen og igen, for eksempel den samme kirke eller den samme dam og malede den på forskellige tidspunkter af dagen for at vise forskydningerne i farve og stemning.

Motivet forblev det samme, men kvaliteterne af lys og farve ændrede udseendet af det resulterende værk.

Så når du tænker på impressionisme og hvad det betyder, sameksisterer og blandes to vigtige elementer - farve - og lys!

Postimpressionisme er perioden fra 1885 til 1905.

Den tidligere bevægelse af impressionismen brugte en ny teknik til at vise verden omkring dem.

Den samme tilgang blev nu overlejret med mere udtryksfulde kvaliteter for ikke kun at vise, hvad vores øjne ser, men også den intenst personlige verden i kunstnerens sind og sjæl.

Seeren ville lære om emnet, såvel som kunstneren, der skildrede dette emne.

Postimpressionisme deler meget af den samme visuelle stil som impressionisme ved at bruge endnu mere tekstur og endnu mindre detaljer.

Farvepaletten var fabelagtig, og hver kunstners stil er let genkendelig, da de havde varieret og personlig teknik i deres arbejde.

For eksempel brugte Seurat bittesmå farvepunkter til at skabe et sammenhængende maleri, hvorimod Van Gogh brugte brede, dristige farvestrøg.

Art Nouveau dukkede op og holdt ved indtil 1910, perioden forud for første verdenskrig.

Kunstnere blev forelsket i former, der findes i den naturlige verden, såsom planter, vinstokke osv., Og hvordan de kunne anvende organisk form og design til uorganiske genstande som borde, stole, lamper og endda arkitektur.

I stedet for lige, vinklede strukturer, sejlede kurver og swooping linjer.

Når man kommer ind i en bygning, finder man muligvis en trappe med gelænder, der er sammensat af sammenflettede jerntråde og bølgende former.

Stole og borde ville have elementer af levende, voksende former i deres understøttende strukturer.

Lamper kunne lyse og dryppe af farve, når de blev tændt, hvilket afspejler endnu mere af den naturlige verden.

Fauvisme indtager en kort note i kunsthistorie, der kun varer fra 1905–1910.

Denne gruppe kunstnere beundrede de impressionistiske og postimpressionistiske bevægelser og besluttede at bygge videre på ideerne om dristige farver ved at overdrive dem endnu mere.

Disse eksploderende farver ville fremkalde endnu mere følelser hos beskueren.

Kunstkritikernes verden og formelle akademier var rædselsslagne over, hvad de mente var overskueligt overforbrug af farve, hvilket kun tjente til at tilskynde Fauve-kunstnere til at udnytte endnu mere iøjnefaldende nuancer til at udtrykke sig!

Ekspressionisme er identificeret fra omkring 1930 og passer ganske fint under den generelle kategori af modernisme.

Impulsen til enhver kunst i denne bevægelse er kunstneres følelsesmæssige angst og angst over, hvad de så forekomme i verden omkring dem på det tidspunkt.

Forandringens hastighed i modernitet, aktuelle begivenheder i verden og bekymring for en usikker fremtid var alle inspirationer for meget af ekspressionistisk kunst.

Kendetegn ved denne stil er brugen af ​​lyse farver, aflange eller overdrevne ikke-repræsentative former og linjer.

Ekspressionismens punkt var at kunstnerisk repræsentere kunstnerens tanker og bekymringer, ikke realistiske skildringer af verden.

Art Deco varede fra 1910 til omkring 1930.

Før Første Verdenskrig var Art Nouveau populær, det var den berømte kunststil, der tog sin inspiration fra den naturlige verden ved at bruge repræsentationer af blade, blomster og andre flydende, organiske former i kunstværker, dekorationer, møbler og endda elementer af bygninger .

Da verden nærmede sig tiden for den store krig, opstod der et ønske om at lave kunst, der afspejler de nuværende følelser i samfundet.

Kunstnere besluttede, at brugen af ​​mere alvorlige geometriske elementer ville opnå den følelse - gentagne linjer, trekanter, rektangler og firkanter.

En grund til denne mere matematiske indflydelse på kunst var forbedret evne til at replikere og fremstille den i varer, som folk kan købe.

Masseproduktion betød mere tilgængelighed og derfor mulighed for flere mennesker at eje disse produkter.

Det er lettere at bearbejde maskiner til fremstilling af enkle trekanter, firkanter og lige kanter i forhold til krumme, organiske former.

Men bare fordi disse varer nu kunne masseproduceres, betød det imidlertid ikke, at der var et kompromis i kvalitet, hvilket resulterede i billige varer.

Der blev udvist stor omhu i design og fremstilling, idet prioriteten var brugen af ​​rige og robuste materialer.

Ved at komme ind i Art Deco -bygningen ville en seer se fascinerende møbler, dekorationer og pynt alt sammen med en mere moderne æstetik.

Kubisme var en bevægelse, der begyndte i og varede indtil 1915.

De to kendte kunstnere i denne stil er Picasso og Braque.

Før dette tidspunkt havde malerier skildret den realistiske brug af perspektiv, den måde vores øjne ser på verden.

Kubisme tog forskellige synspunkter på et emne - som om man kunne lave en 360 graders rundvisning rundt om emnet - og segmenterede derefter individuelle øjebliksbilleder af hvert billede.

Kubismen præsenterede dem alle samtidigt i et todimensionalt plan.

Og sammenstillingen af ​​mange perspektiver skabte billeder, der så sådan ud: Futurisme begyndte rundt og varede lige indtil 1914.

Kunstnere blev energisk af hastigheden og banen for ændringerne i vores moderne verden.

Erhverv, industri, teknologi, transport - energien og vibrationerne i den moderne verden inspirerede dem til at prøve visuelle manifestationer i kunsten.

Lånende elementer af kubismen - som samtidig skildrede forskellige perspektiver på emnet og smadrede det i et synsplan - futuristiske kunstnere ændrede begrebet, hvor disse perspektiver kom fra.

I stedet for at beskuerens opfattelser bevæger sig rundt om objektet, forestiller futuristisk kunst sig, at beskueren forbliver stationær, og selve emnet er i bevægelse.

Dadaisme fandt sted mellem 1916 og 1922.

En gruppe kunstnere betragtede verden omkring dem, en verden, der hvirvlede vanvittigt med krig, politik, handel - og de følte sig væmmet og forfærdet.

De gjorde oprør, blev ikonklaster og nægtede at respektere billeder, der traditionelt blev æret i kunstens verden.

De ville skabe kunst, der eksemplificerede den tid, de levede i, ved at kaste forskellige symboler og billeder sammen på måder, der var umulige at tyde - og at være uforståelig var pointen med Dada -kunst!

Surrealismen varede fra omkring 1924 til 1939.

Den tidligere bevægelse af Dada Art blev set som negativ i sin afvisning af etablerede traditioner inden for kunst og æstetik.

Nogle kunstnere ønskede at fremkalde en mere positiv aura i deres arbejde, hvilket resulterede i deres udvikling af surrealisme.

De søgte at lade deres fantasi løbe frit og ubegrænset, ubunden af ​​virkeligheden eller hvad der var fysisk muligt.

De udforskede det ubevidste, tog billeder fra drømme og fantasiflyvninger og stillede dem sammen på useriøse måder uden bekymring for at præsentere noget realistisk.

Værket fungerede som bevidsthedsstrøm, ukonstrueret og flydende, ligesom i vores drømme.

Videnskaben om psykologi og udforskninger af det ubevidste sind blev brugt som inspiration til skabelsen af ​​surrealistiske kunstværker.

Harlem -renæssancen varede fra 1920'erne til 1940'erne.

Før denne tid havde kunsten set sine ændringer ske regelmæssigt og langsomt udvikle sig.

Harlem -renæssancen lignede mere et pludselig udtryksskælv.

Sort kunst, litteratur, dans og musik havde en stor indflydelse fra denne tid og frem.

Inspireret af Jazz and the Blues arbejdede sorte kunstnere bevidst på at skildre den sorte oplevelse i USA, da de så det og levede det.

Der var en bevidst udforskning af negerlivet adskilt fra det dominerende hvide hegemoni omkring dem, og de følte behov for at indgyde stolthed og empowerment, en følelse af rig tradition og ærbødighed for, hvem de havde været, og hvem de var.

Denne eksplosion af kreativitet og selvudfoldelse påvirkede andre kulturer uden forfremmelse i USA til også at sprede deres vinger, og mange forskellige stilarter blev født og udviklet.

Uanset kunstværkets form eller indhold var prioriteten at udfordre alle afroamerikanere til at anerkende deres magt og fejre hinanden som individer og deres kultur som helhed.

Abstrakt ekspressionisme strækker sig fra 1940 til 1960.

Efter Anden Verdenskrig ændrede hele den globale økonomi sig og påvirkede alle overalt.

Den generelle angst dengang blev afspejlet af kunstneres brug af ikke -repræsentative former og farve.

En kunstner kan plaske farve uden forskel på lærredet eller hælde store mængder direkte på lærredet og tilføje udtryksfulde penselstrøg og tekstur bagefter.

Bevægelsen af ​​malerens krop, da de skabte værket, blev inkorporeret og underforstået i det færdige produkt.

Pop Art varer fra omkring til cirka 1970.

Efter Anden Verdenskrig blomstrede den amerikanske økonomi og skabte en robust forbrugerkultur.

Fælles genstande - suppe dåser, stole, virkelig hvad som helst - blev genstande for det kunstneriske blik.

Plakater blev populære på amerikansk kultur på dette tidspunkt.

Kunst havde altid været for dyrt for hvem som helst at have råd til, men Pop Art blev let gengivet og billigt og blomstrede derfor.

Amerikansk popmusik og kunst erobrede kloden og spredte amerikansk kultur.

De traditionelle bastioner i kunstsamfundet godkendte ikke den nye æstetik og gjorde deres utilfredshed kendt.

Denne nye generation af kunstnere havde imidlertid ingen interesse i at stoppe en yngre og friskere tilgang fra at sprede sig.

Postmodernismen begyndte i 1960'erne og fortsætter i øjeblikket.

For at forstå dets begyndelse, lad os gå tilbage og besøge moderne kunst.

Moderne kunst havde sine rødder i forestillingen om fremgang og troen på en stadig opadgående bane for menneskeheden.

Man troede, at alle aspekter af verden - Industri, teknologi, selve livet - altid forbedrede sig mod et ideal.

Hvis man undersøgte verden nøje, var det tydeligt, at der var universelle love, principper, regler og systemer, der kunne opdages ved brug af fornuft og religion.

Verden kunne forstås, vi kunne give mening om den, og derfor ville alt, hvad vi kunne vide og lære, bidrage til denne ubønhørlige fremskridtsmarch mod uundgåelig perfektion.

Postmodernister undersøgte dette rosenrøde billede af fremtiden med skeptiske øjne og afviste denne optimisme om forståelse og forståelse af tingene som en optimistisk drøm.

Deres svar var at erklære, at alt kan være og er art.

Kunst var altid blevet set som noget, der eksisterede på et separat og æret eksistensplan, og selv dem, der skabte mere prosaiske kunstarter, syntes stadig at føle, at udtryk gennem forskellige medier var noget adskilt fra hverdagen.

Postmodernisterne insisterede på, at både kunst og mere fodgængerkunst var nøjagtig det samme, og at virkelig alt i verden er kunst.

Et bord kunne betragtes som kunst, en stol kunne være kunst.

To mursten placeret side om side kunne være art.

Igen kan alt være kunst!

Så postmoderne kunst leger med ideen om objekter som kunst, og også ideer kunne udtrykkes gennem disse normale objekter.

Nogle gange er betydningen af ​​disse samlinger af ting og ideer ikke klar for seeren.

Standard, traditionel kunst havde altid fungeret som noget fra hinanden, der skulle ses, analyseres, overvejes og i sidste ende forstås.

Postmoderne kunst gav ingen sådanne løfter om forståelse, og efterlod ofte observatøren mystificeret med hensyn til, hvad de så på.

Der er flere bevægelser under betegnelsen postmoderne kunst:

De omfatter konceptuel kunst, performance, installationskunst, grafitti, dekonstruktivistisk kunst og minimalistisk kunst.

Konceptuel kunst begyndte i 1960'erne og fortsætter til i dag.

Nu i stedet for at kunsten ikke længere kun eksisterer i fysiske objekter, bliver kunsten faktisk de ideer, der fremkaldes af disse objekter.

Processen med at engagere sig intellektuelt med det, man ser, skaber kunsten internt i beskueren, hvilket betyder, at handlingen med at se kunsten kun er begyndelsen på den kunstneriske oplevelse.

Så hvordan man ser på stykket skaber ideen.

Som et eksempel i denne udstilling ønskede kunstneren, at beskueren skulle tænke over, hvad stole er, og hvad de betyder.

Han placerede en rigtig stol, et fotografi af en stol og ordbogens definition af en stol i et galleri.

Seerne blev tvunget til at overveje essensen af, hvad en stol er.

Så selve ideen er, hvad de skulle engagere sig i.

Ofte vil konceptuelle kunstnere bruge deres kroppe som objekter til at fremkalde ideen, enten som lærredet selv eller udføre en aktivitet.

Her skød kunstneren vand ud af munden for at vise begrebet springvand ved bogstaveligt talt selv at blive et springvand.

Han følte ikke behovet for at skabe et fysisk springvand i rummet, men i stedet legemliggjorde han konceptet.

Dette tvang folk til at genoverveje deres forestillinger om "springvand".

Konceptuel kunst frigiver objekter som meningsbærere.

Kunstneren placerer objekterne på en sådan måde, at det stimulerer observatøren til at tænke over, hvilke ideer der fremkaldes, og ikke være bekymret over selve det fysiske objekt.

Dekonstruktionisme er en arkitektonisk stil udbredt fra 1960 til 1980'erne.

Arkitektur havde altid fulgt en bestemt standard, bygninger består af materialer, der står oprejst og komplet i deres omgivelser.

Men dekonstruktionisme vendte alt det på hovedet for at præsentere et helt andet udseende!

Bygninger kunne nu være asymmetriske og uforudsigelige, da besøgende gik rundt og gennem dem.

Bygningen kunne have mærkelige fremspring i ulige vinkler, og de råvarer, de blev konstrueret af, blev ikke skjult, men fremtrædende fremvist.

Aluminium eller mursten ville være ude i det fri for alle at se.

Strukturerne var stadig fuldstændigt funktionelle indeni, men udvendigt så anderledes ud end nogen tidligere arkitektoniske stilarter.

Det var en helt ny måde at konceptualisere, hvordan bygninger kunne se ud.

Minimalisme fandt sted mellem 1960 og 1975.

Abstrakt ekspressionisme Kunst, med alle dens åbenlyse følelser, tjente som inspiration for minimalisme.

Kunstnere genovervejede essensen af ​​kunst og bestemte, at enkelhed var grundlaget for det hele.

Derfor bør alle fremmede elementer fjernes for at nå frem til de reneste og mest enkle elementer, former og materialer.

Former til denne slags kunst er enkle, enkle - og - du gættede det - minimale!

Du har lige set forklaringer på tre moderne kunstbevægelser - konceptuel kunst, dekonstruktionistisk kunst og minimalistisk kunst.

Hvad angår det næste i kunstens verden, ja - det er op til dig!

Fortsæt og skab noget unikt dit og bidrage til den fremtid!


Indhold

Kunsthistorie er en tværfaglig praksis, der analyserer de forskellige faktorer - kulturelle, politiske, religiøse, økonomiske eller kunstneriske - der bidrager til et kunstværks visuelle fremtoning.

Kunsthistorikere anvender en række metoder i deres forskning i objekternes ontologi og historie.

Kunsthistorikere undersøger ofte arbejde i sammenhæng med sin tid. I bedste fald sker dette på en måde, der respekterer dens skabers motiver og imperativer under hensyntagen til sine låneres og sponsorers ønsker og fordomme med en komparativ analyse af temaer og fremgangsmåder hos skaberkollegaerne og lærerne og med hensyn til ikonografi og symbolik. Kort sagt undersøger denne tilgang kunstværket i sammenhæng med den verden, inden for hvilken det blev skabt.

Kunsthistorikere undersøger også ofte arbejde gennem en formanalyse, det vil sige skaberens brug af streg, form, farve, tekstur og komposition. Denne tilgang undersøger, hvordan kunstneren bruger et todimensionalt billedplan eller de tre dimensioner af skulpturelt eller arkitektonisk rum til at skabe deres kunst. Den måde, hvorpå disse individuelle elementer anvendes, resulterer i repræsentativ eller ikke-repræsentativ kunst. Efterligner kunstneren et objekt, eller kan billedet findes i naturen? I så fald er det repræsentativt. Jo tættere kunsten hugger til perfekt efterligning, jo mere er kunsten realistisk. Er kunstneren ikke at efterligne, men i stedet stole på symbolik eller på en vigtig måde stræbe efter at fange naturens essens frem for at kopiere den direkte? I så fald er kunsten ikke-repræsentativ-også kaldet abstrakt. Realisme og abstraktion eksisterer på et kontinuum. Impressionisme er et eksempel på en repræsentationsstil, der ikke var direkte imitativ, men stræbte efter at skabe et "indtryk" af naturen. Hvis værket ikke er repræsentativt og er et udtryk for kunstnerens følelser, længsler og ambitioner eller er en søgen efter idealer om skønhed og form, er værket ikke-repræsentativt eller et udtryk for ekspressionisme.

En ikonografisk analyse er en, der fokuserer på bestemte designelementer i et objekt. Gennem en nærlæsning af sådanne elementer er det muligt at spore deres slægt, og med det drage konklusioner vedrørende disse motivers oprindelse og bane. Til gengæld er det muligt at foretage et hvilket som helst antal observationer vedrørende de sociale, kulturelle, økonomiske og æstetiske værdier hos dem, der er ansvarlige for at producere objektet.

Mange kunsthistorikere bruger kritisk teori til at ramme deres undersøgelser af objekter. Teori bruges oftest i forbindelse med nyere genstande, dem fra slutningen af ​​det 19. århundrede og fremefter. Kritisk teori i kunsthistorien er ofte lånt fra litteraturforskere, og det indebærer anvendelse af en ikke-kunstnerisk analytisk ramme til studiet af kunstgenstande. Feministiske, marxistiske, kritiske racer, queer og postkoloniale teorier er alle veletablerede i disciplinen. Som i litteraturvidenskab er der en interesse blandt forskere i natur og miljø, men den retning, som dette vil tage i disciplinen, er endnu ikke fastlagt.

For nylig introducerede medier og digital teknologi muligheder for visuelle, rumlige og oplevelsesmæssige analyser. De relevante former varierer fra film til interaktive former, herunder virtuelle miljøer, udvidede miljøer, lokaliserede medier, netværksmedier osv. Metoderne, der aktiveres ved sådanne teknikker, er i aktiv udvikling og lover at omfatte kvalitative tilgange, der kan understrege narrative, dramatiske, følelsesmæssige og ludiske karakteristika ved historie og kunst. [5]

Plinius den Ældre og gamle fortilfælde Rediger

Det tidligste overlevende forfatterskab om kunst, der kan klassificeres som kunsthistorie, er passagerne i Plinius den Ældre Naturhistorie (c. AD 77-79), om udviklingen af ​​græsk skulptur og maleri. [6] Fra dem er det muligt at spore ideerne fra Xenokrates fra Sicyon (ca. 280 f.Kr.), en græsk billedhugger, der måske var den første kunsthistoriker. [7] Plinius arbejde, mens det hovedsageligt var et encyklopædi af videnskaberne, har således haft indflydelse fra renæssancen og fremefter. (Stykker om teknikker, der blev brugt af maleren Apelles c. (332-329 f.Kr.), har været særligt velkendte.) Lignende, selvom uafhængige, udviklinger fandt sted i Kina fra det 6. århundrede, hvor en kanon af værdige kunstnere blev etableret af forfattere i den lærde-officielle klasse. Disse forfattere, der nødvendigvis var dygtige til kalligrafi, var selv kunstnere. Kunstnerne er beskrevet i Seks malerprincipper formuleret af Xie He. [8]

Vasari og kunstneres biografier Rediger

Mens personlige erindringer om kunst og kunstnere længe har været skrevet og læst (se Lorenzo Ghiberti Kommentarer, for det bedste tidlige eksempel), [9] det var Giorgio Vasari, den toscanske maler, billedhugger og forfatter af Liv for de mest fremragende malere, billedhuggere og arkitekter, der skrev den første sande historie af kunst. [10] Han lagde vægt på kunstens progression og udvikling, som var en milepæl på dette område. Hans var en personlig og historisk beretning med biografier om individuelle italienske kunstnere, hvoraf mange var hans samtidige og personlige bekendte. Den mest berømte af disse var Michelangelo, og Vasaris beretning er oplysende, selvom den er forudindtaget [ citat nødvendig ] på steder.

Vasaris ideer om kunst var enormt indflydelsesrige og tjente som forbillede for mange, herunder i det nordlige Europa Karel van Manders Schilder-boeck og Joachim von Sandrarts Teutsche Akademie. [ citat nødvendig ] Vasaris tilgang holdt sig indtil 1700 -tallet, hvor kritik blev rettet mod hans biografiske beretning om historien. [ citat nødvendig ]

Winckelmann og kunstkritik Rediger

Lærde som Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) kritiserede Vasaris "kult" af kunstnerisk personlighed, og de argumenterede for, at den egentlige vægt i studiet af kunst burde være den lærde betragters synspunkter og ikke den karismatiske kunstners unikke synspunkt . Winckelmanns skrifter var således begyndelsen på kunstkritik. Hans to mest bemærkelsesværdige værker, der introducerede begrebet kunstkritik var Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst, udgivet i 1755, kort før han rejste til Rom (Fuseli udgav en engelsk oversættelse i 1765 under titlen Overvejelser om grækernes maleri og skulptur), og Geschichte der Kunst des Altertums (Kunsthistorie i antikken), udgivet i 1764 (dette er den første forekomst af udtrykket 'kunsthistorie' i titlen på en bog). " af den mere ædru nyklassicisme. Jacob Burckhardt (1818–1897), en af ​​kunsthistoriens grundlæggere, bemærkede, at Winckelmann var 'den første til at skelne mellem antikkens perioder og forbinde stilens historie med verdenshistorien'. Winckelmann indtil midten af ​​det 20. århundrede var kunsthistoriens område domineret af tysktalende akademikere.Winckelmanns arbejde markerede således kunsthistoriens indtræden i den tyske kulturs højfilosofiske diskurs.

Winckelmann blev ivrig læst af Johann Wolfgang Goethe og Friedrich Schiller, som begge begyndte at skrive om kunsthistorien, og hans beretning om Laocoön -gruppen gav et svar fra Lessing. Fremkomsten af ​​kunst som et hovedemne for filosofiske spekulationer blev størknet ved fremkomsten af ​​Immanuel Kants Kritik af dommen i 1790, og blev fremmet af Hegels Foredrag om æstetik. Hegels filosofi tjente som den direkte inspiration for Karl Schnaases arbejde. Schnaase Niederländische Briefe etableret det teoretiske grundlag for kunsthistorien som en autonom disciplin, og hans Geschichte der bildenden Künste, en af ​​de første historiske undersøgelser af kunsthistorien fra antikken til renæssancen, lettede undervisningen i kunsthistorie på tysktalende universiteter. Schnaases undersøgelse blev offentliggjort samtidig med et lignende værk af Franz Theodor Kugler.

Wölfflin og stilistisk analyse Rediger

Heinrich Wölfflin (1864–1945), der studerede under Burckhardt i Basel, er "far" til moderne kunsthistorie. Wölfflin underviste på universiteterne i Berlin, Basel, München og Zürich. En række studerende gik videre til fornem karriere inden for kunsthistorie, herunder Jakob Rosenberg og Frida Schottmuller. Han introducerede en videnskabelig tilgang til kunsthistorien med fokus på tre begreber. For det første forsøgte han at studere kunst ved hjælp af psykologi, især ved at anvende værket fra Wilhelm Wundt. Han argumenterede blandt andet for, at kunst og arkitektur er godt, hvis de ligner menneskekroppen. For eksempel var huse gode, hvis deres facader lignede ansigter. For det andet introducerede han ideen om at studere kunst gennem sammenligning. Ved at sammenligne individuelle malerier med hinanden var han i stand til at skelne mellem stil. Hans bog Renæssance og barok udviklede denne idé og var den første til at vise, hvordan disse stilistiske perioder adskilte sig fra hinanden. I modsætning til Giorgio Vasari var Wölfflin uinteresseret i kunstnernes biografier. Faktisk foreslog han oprettelsen af ​​en "kunsthistorie uden navne." Endelig studerede han kunst baseret på ideer om nationalitet. Han var især interesseret i, om der var en iboende "italiensk" og en iboende "tysk" stil. Denne sidste interesse blev mest fuldt ud formuleret i hans monografi om den tyske kunstner Albrecht Dürer.

Riegl, Wickhoff og Wienerskolen Edit

Samtidigt med Wölfflins karriere udviklede en større kunsthistorisk skole sig ved universitetet i Wien. Den første generation af Wienerskolen blev domineret af Alois Riegl og Franz Wickhoff, begge studerende i Moritz Thausing, og var præget af en tendens til at revurdere forsømte eller forringede perioder i kunsthistorien. Riegl og Wickhoff skrev begge meget om senantikkens kunst, der før dem var blevet betragtet som en periode med tilbagegang fra det klassiske ideal. Riegl bidrog også til revalueringen af ​​barokken.

Den næste generation af professorer i Wien omfattede Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda og Josef Strzygowski. En række af de vigtigste kunsthistorikere fra det tyvende århundrede, herunder Ernst Gombrich, modtog deres grader i Wien på dette tidspunkt. Udtrykket "Second Vienna School" (eller "New Vienna School") refererer normalt til den følgende generation af wienerske lærde, herunder Hans Sedlmayr, Otto Pächt og Guido Kaschnitz von Weinberg. Disse lærde begyndte i 1930'erne at vende tilbage til arbejdet i den første generation, især til Riegl og hans koncept om Kunstwollen, og forsøgte at udvikle det til en fuldblæst kunsthistorisk metode. Sedlmayr afviste især det minutiøse studie af ikonografi, protektion og andre tilgange baseret på historisk kontekst, og foretrak i stedet at koncentrere sig om de æstetiske kvaliteter ved et kunstværk. Som et resultat fik Second Vienna School ry for uhæmmet og uansvarlig formalisme og blev desuden farvet af Sedlmayrs åbenlyse racisme og medlemskab af det nazistiske parti. Denne sidstnævnte tendens var imidlertid på ingen måde delt af alle medlemmer af skolen Pächt, for eksempel var han selv jøde og blev tvunget til at forlade Wien i 1930'erne.

Panofsky og ikonografi Rediger

Vores forståelse af det 21. århundredes kunsts symbolske indhold stammer fra en gruppe forskere, der samledes i Hamborg i 1920'erne. De mest fremtrædende blandt dem var Erwin Panofsky, Aby Warburg, Fritz Saxl og Gertrud Bing. Sammen udviklede de meget af det ordforråd, der fortsat bruges i det 21. århundrede af kunsthistorikere. "Ikonografi" - med rødder, der betyder "symboler fra skrivning" refererer til kunstens emne, der stammer fra skriftlige kilder - især skriften og mytologien. "Ikonologi" er et bredere udtryk, der refererede til al symbolik, uanset om den stammer fra en bestemt tekst eller ej. I dag bruger kunsthistorikere nogle gange disse udtryk i flæng.

Panofsky, i sit tidlige arbejde, udviklede også teorier om Riegl, men blev til sidst mere optaget af ikonografi, og især overførsel af temaer relateret til klassisk antik i middelalderen og renæssancen. I denne henseende faldt hans interesser sammen med interesserne i Warburg, søn af en velhavende familie, der havde samlet et imponerende bibliotek i Hamborg dedikeret til studiet af den klassiske tradition inden for senere kunst og kultur. I Saxls regi blev dette bibliotek udviklet til et forskningsinstitut, tilknyttet universitetet i Hamborg, hvor Panofsky underviste.

Warburg døde i 1929, og i 1930'erne blev Saxl og Panofsky, begge jøder, tvunget til at forlade Hamborg. Saxl bosatte sig i London, bragte Warburgs bibliotek med sig og etablerede Warburg Institute. Panofsky bosatte sig i Princeton ved Institute for Advanced Study. I denne henseende var de en del af en ekstraordinær tilstrømning af tyske kunsthistorikere til det engelsktalende akademi i 1930'erne. Disse lærde var stort set ansvarlige for at etablere kunsthistorien som et legitimt studieretning i den engelsktalende verden, og indflydelsen fra Panofskys metodik bestemte især forløbet i amerikansk kunsthistorie i en generation.

Freud og psykoanalyse Rediger

Heinrich Wölfflin var ikke den eneste forsker, der påkaldte psykologiske teorier i kunststudiet. Psykoanalytiker Sigmund Freud skrev en bog om kunstneren Leonardo da Vinci, hvor han brugte Leonardos malerier til at forhøre kunstnerens psyke og seksuelle orientering. Freud udledte af sin analyse, at Leonardo sandsynligvis var homoseksuel.

Selvom brugen af ​​posthumt materiale til at udføre psykoanalyse er kontroversiel blandt kunsthistorikere, især da den seksuelle adfærd i Leonardos tid og Freuds er anderledes, bliver det ofte forsøgt. En af de mest kendte psykoanalytiske forskere er Laurie Schneider Adams, der skrev en populær lærebog, Kunst over tidog en bog Kunst og psykoanalyse.

En intetanende vending for kunstkritikkens historie kom i 1914, da Sigmund Freud offentliggjorde en psykoanalytisk fortolkning af Michelangelos Moses med titlen Der Moses des Michelangelo som en af ​​de første psykologisk baserede analyser på et kunstværk. [12] Freud udgav først dette værk kort efter at have læst Vasaris Lever. For ukendte formål offentliggjorde Freud artiklen oprindeligt anonymt.

Jung og arketyper Rediger

Carl Jung anvendte også psykoanalytisk teori på kunst. C.G. Jung var en schweizisk psykiater, en indflydelsesrig tænker og grundlægger af analytisk psykologi. Jungs tilgang til psykologi understregede forståelsen af ​​psyken gennem at udforske drømme, kunst, mytologi, verdensreligion og filosofi. Meget af hans livsværk blev brugt på at udforske østlig og vestlig filosofi, alkymi, astrologi, sociologi samt litteratur og kunst. Hans mest bemærkelsesværdige bidrag omfatter hans koncept om den psykologiske arketype, den kollektive ubevidste og hans teori om synkronicitet. Jung mente, at mange oplevelser, der opfattes som tilfældigheder, ikke kun skyldtes tilfældigheder, men i stedet foreslog, at parallelle begivenheder eller omstændigheder afspejlede denne styrende dynamik. [13] Han argumenterede for, at et kollektivt ubevidst og arketypisk billedsprog kunne påvises i kunsten. Hans ideer var særlig populære blandt amerikanske abstrakte ekspressionister i 1940'erne og 1950'erne. [14] Hans arbejde inspirerede det surrealistiske koncept om at tegne billeder fra drømme og det ubevidste.

Jung understregede vigtigheden af ​​balance og harmoni. Han advarede om, at moderne mennesker stoler for stærkt på videnskab og logik og ville have fordel af at integrere spiritualitet og værdsættelse af det ubevidste rige. Hans arbejde udløste ikke kun analytisk arbejde af kunsthistorikere, men det blev en integreret del af kunstfremstilling. Jackson Pollock for eksempel skabte berømt en række tegninger til at ledsage hans psykoanalytiske sessioner med sin jungianske psykoanalytiker, Dr. Joseph Henderson. Henderson, der senere udgav tegningerne i en tekst afsat til Pollocks sessioner, indså, hvor kraftfulde tegningerne var som et terapeutisk værktøj. [15]

Arven fra psykoanalysen i kunsthistorien har været dybtgående og rækker ud over Freud og Jung. Den fremtrædende feministiske kunsthistoriker Griselda Pollock trækker f.eks. På psykoanalysen både i sin læsning af samtidskunst og i sin genlæsning af modernistisk kunst. Med Griselda Pollocks læsning af fransk feministisk psykoanalyse og især Julia Kristeva og Bracha L. Ettingers skrifter, som med Rosalind Krauss oplæsning af Jacques Lacan og Jean-François Lyotard og Catherine de Zeghers kuratoriske genlæsning af kunst, feministisk teori skrevet inden for felterne af fransk feminisme og psykoanalyse har stærkt informeret reframing af både mænd og kvindelige kunstnere i kunsthistorien.

Marx og ideologi Rediger

I midten af ​​det 20. århundrede omfavnede kunsthistorikere socialhistorie ved hjælp af kritiske tilgange. Målet var at vise, hvordan kunst interagerer med magtstrukturer i samfundet. En kritisk tilgang, som kunsthistorikere [ WHO? ] brugt var marxisme. Marxistisk kunsthistorie forsøgte at vise, hvordan kunst var knyttet til bestemte klasser, hvordan billeder indeholder oplysninger om økonomien, og hvordan billeder kan få status quo til at virke naturlig (ideologi). [ citat nødvendig ]

Marcel Duchamp og Dada Movement jump startede anti-art stilen. Forskellige kunstnere ønskede ikke at skabe kunstværker, som alle tilpassede sig dengang. Disse to bevægelser hjalp andre kunstnere med at skabe stykker, der ikke blev betragtet som traditionel kunst. Nogle eksempler på stilarter, der forgrenede sig fra den antikunstbevægelse, ville være neo-dadaisme, surrealisme og konstruktivisme. Disse stilarter og kunstnere ønskede ikke at overgive sig til traditionelle kunstmåder. Denne tankegang fremkaldte politiske bevægelser som den russiske revolution og de kommunistiske idealer. [16]

Kunstneren Isaak Brodsky kunstværk 'Shock-worker from Dneprstroi' i 1932 viser sit politiske engagement inden for kunsten. Dette kunstværk kan analyseres for at vise de interne problemer, som Sovjet Rusland på det tidspunkt oplevede. Den måske mest kendte marxist var Clement Greenberg, der kom til at fremstå i slutningen af ​​1930'erne med sit essay "Avant-Garde og Kitsch". [17] I essayet hævdede Greenberg, at avantgarden opstod for at forsvare æstetiske standarder mod smagnedgangen i forbrugersamfundet og se kitsch og kunst som modsætninger. Greenberg hævdede endvidere, at avantgarde og modernistisk kunst var et middel til at modstå udjævning af kultur frembragt af kapitalistisk propaganda. Greenberg tilegnede sig det tyske ord 'kitsch' til at beskrive denne forbrugerisme, selvom dens konnotationer siden er ændret til en mere bekræftende forestilling om rester af kapitalistisk kultur. Greenberg senere [ hvornår? ] blev kendt for at undersøge de formelle egenskaber ved moderne kunst. [ citat nødvendig ]

Meyer Schapiro er en af ​​de bedst huskede marxistiske kunsthistorikere i midten af ​​det 20. århundrede. Selvom han skrev om adskillige tidsperioder og temaer inden for kunst, huskes han bedst for sin kommentar til skulptur fra senmiddelalderen og tidlig renæssance, hvor han så tegn på, at kapitalismen voksede frem og feudalismen faldt. [ citat nødvendig ]

Arnold Hauser skrev den første marxistiske undersøgelse af vestlig kunst, med titlen Kunstens sociale historie. Han forsøgte at vise, hvordan klassebevidstheden afspejlede sig i større kunstperioder. Bogen var kontroversiel, da den udkom i løbet af 1950'erne, da den gør generaliseringer om hele epoker, en strategi, der nu kaldes "vulgær marxisme". [ citat nødvendig ]

Marxistisk kunsthistorie blev forfinet i afdelingen for kunsthistorie ved UCLA med forskere som T.J. Clark, O.K. Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno og Max Horkheimer. T.J. Clark var den første kunsthistoriker, der skrev fra et marxistisk perspektiv, der opgav vulgær marxisme. Han skrev marxistiske kunsthistorier om flere impressionistiske og realistiske kunstnere, herunder Gustave Courbet og Édouard Manet. Disse bøger fokuserede tæt på det politiske og økonomiske klima, hvor kunsten blev skabt. [ citat nødvendig ]

Feministisk kunsthistorie Rediger

Linda Nochlins essay "Hvorfor har der ikke været nogen store kvindelige kunstnere?" hjalp med at tænde feministisk kunsthistorie i løbet af 1970'erne og er fortsat et af de mest læste essays om kvindelige kunstnere. Dette blev derefter efterfulgt af et 1972 College Art Association Panel, ledet af Nochlin, med titlen "Eroticism and the Image of Woman in Nineteenth-Century Art". Inden for et årti opretholdt snesevis af artikler, artikler og essays et voksende momentum, drevet af feministisk bevægelse i anden bølge, af kritisk diskurs omkring kvinders interaktion med kunsten som både kunstnere og emner. I sit banebrydende essay anvender Nochlin en feministisk kritisk ramme for at vise systematisk udelukkelse af kvinder fra kunstuddannelse og hævder, at udelukkelse fra at udøve kunst såvel som den kanoniske kunsthistorie var en konsekvens af kulturelle forhold, der begrænsede og begrænsede kvinder fra kunstproducerende områder . [18] De få, der lykkedes, blev behandlet som anomalier og gav ikke en model for efterfølgende succes. Griselda Pollock er en anden fremtrædende feministisk kunsthistoriker, hvis brug af psykoanalytisk teori er beskrevet ovenfor.

Mens feministisk kunsthistorie kan fokusere på enhver tidsperiode og placering, har der været stor opmærksomhed på den moderne æra. Nogle af dette stipendium er centreret om den feministiske kunstbevægelse, der specifikt henviste til kvinders oplevelse. Ofte tilbyder feministisk kunsthistorie en kritisk "genlæsning" af den vestlige kunstkanon, såsom Carol Duncans genfortolkning af Les Demoiselles d'Avignon. To pionerer inden for feltet er Mary Garrard og Norma Broude. Deres antologier Feminisme og kunsthistorie: Spørgsmål til litanien, Den ekspanderende diskurs: Feminisme og kunsthistorie, og Genvinder Feministisk Agentur: Feministisk Kunsthistorie Efter Postmodernisme er betydelige bestræbelser på at bringe feministiske perspektiver ind i kunsthistoriens diskurs. Parret var også medstifter af Feminist Art History Conference. [19]

Barthes og semiotik Rediger

I modsætning til ikonografi, der søger at identificere mening, er semiotik bekymret for, hvordan mening skabes. Roland Barthes konnoterede og betegnede betydninger er altafgørende for denne undersøgelse. I et bestemt kunstværk afhænger en fortolkning af identifikationen af ​​betegnet betydning [20] - genkendelsen af ​​et visuelt tegn og den konnoterede betydning [21] - de øjeblikkelige kulturelle associationer, der følger med anerkendelse. Den semiotiske kunsthistorikers største bekymring er at finde på måder at navigere og fortolke konnoteret betydning. [22]

Semiotisk kunsthistorie søger at afdække den kodificerede betydning eller betydning i et æstetisk objekt ved at undersøge dets forbindelse til en kollektiv bevidsthed. [23] Kunsthistorikere forpligter sig ikke sædvanligvis til et bestemt mærke semiotik, men konstruerer snarere en sammenlagt version, som de inkorporerer i deres samling af analyseværktøjer. For eksempel lånte Meyer Schapiro Saussures differentielle betydning i bestræbelserne på at læse tegn, som de findes i et system. [24] Ifølge Schapiro, for at forstå betydningen af ​​frontalitet i en specifik billedlig kontekst, skal den differentieres fra eller ses i forhold til alternative muligheder såsom en profil eller et trekvartssyn. Schapiro kombinerede denne metode med værket fra Charles Sanders Peirce, hvis objekt, tegn og fortolker gav en struktur for hans tilgang. Alex Potts demonstrerer anvendelsen af ​​Peirces koncepter på visuel repræsentation ved at undersøge dem i forhold til Mona Lisa. Ved at se Mona Lisafor eksempel som noget ud over dets materialitet er at identificere det som et tegn. Det anerkendes derefter som en henvisning til et objekt uden for sig selv, en kvinde eller Mona Lisa. Billedet tilsyneladende ikke betegner religiøs betydning og kan derfor antages at være et portræt. Denne fortolkning fører til en kæde af mulige fortolkninger: hvem var siddende i forhold til Leonardo da Vinci? Hvilken betydning havde hun for ham? Eller måske er hun et ikon for hele kvinden.Denne fortolkningskæde eller “ubegrænset semiose” er uendelig kunsthistorikerens opgave er at lægge grænser for mulige fortolkninger lige så meget som at afsløre nye muligheder. [25]

Semiotik opererer under teorien om, at et billede kun kan forstås ud fra betragterens perspektiv. Kunstneren fortrænges af beskueren som leverandør af mening, selv i det omfang en fortolkning stadig er gyldig, uanset om skaberen havde tiltænkt den. [25] Rosalind Krauss tilsluttede sig dette koncept i sit essay "I Picassos navn." Hun fordømte kunstnerens monopol på mening og insisterede på, at mening først kan udledes, efter at værket er blevet fjernet fra dets historiske og sociale kontekst. Mieke Bal argumenterede på samme måde, at mening ikke engang eksisterer, før billedet observeres af beskueren. Det er først efter at have erkendt dette, at mening kan blive åbnet op for andre muligheder som feminisme eller psykoanalyse. [26]

Museumstudier og indsamling Rediger

Aspekter af emnet, der er kommet til udtryk i de seneste årtier, omfatter interesse for protektion og forbrug af kunst, herunder kunstmarkedets økonomi, samlernes rolle, de bestillingsværkers intentioner og ambitioner og samtidens reaktioner og senere seere og ejere. Museumstudier, herunder historien om museumssamling og visning, er nu et specialiseret fagområde, ligesom historien om indsamling er.

Ny materialisme Rediger

Videnskabelige fremskridt har muliggjort en meget mere præcis undersøgelse af materialer og teknikker, der bruges til at skabe værker, især infrarøde og røntgenfotografiske teknikker, som har gjort det muligt at se mange tegninger af malerier igen. Korrekt analyse af pigmenter brugt i maling er nu mulig, hvilket har forstyrret mange tilskrivninger. Dendrokronologi til panelmalerier og radio-carbon-datering til gamle genstande i organiske materialer har givet videnskabelige metoder til datering af objekter mulighed for at bekræfte eller forstyrre datoer, der stammer fra stilistisk analyse eller dokumentationsbevis. Udviklingen af ​​god farvefotografering, der nu findes digitalt og tilgængelig på internettet eller på andre måder, har transformeret studiet af mange kunstarter, især dem, der dækker objekter, der findes i stort antal, og som er vidt spredt blandt samlinger, såsom belyste manuskripter og Persiske miniaturer og mange former for arkæologiske kunstværker.

Samtidig med disse teknologiske fremskridt har kunsthistorikere vist stigende interesse for nye teoretiske tilgange til kunstværkernes art som objekter. Tingsteori, aktør-netværksteori og objektorienteret ontologi har spillet en stigende rolle i kunsthistorisk litteratur.

Nationalistisk kunsthistorie Rediger

Kunstskabelsen, den akademiske kunsthistorie og kunstmuseernes historie er tæt sammenflettet med nationalismens fremgang. Kunst skabt i den moderne æra har faktisk ofte været et forsøg på at skabe følelser af national overlegenhed eller kærlighed til sit land. Russisk kunst er et særligt godt eksempel på dette, da den russiske avantgarde og senere sovjetiske kunst var forsøg på at definere dette lands identitet.

De fleste kunsthistorikere, der arbejder i dag, identificerer deres speciale som kunsten i en bestemt kultur og tidsperiode, og ofte er sådanne kulturer også nationer. For eksempel kan nogen specialisere sig i tysk eller samtidskinesisk kunsthistorie fra 1800-tallet. Et fokus på nationalitet har dybe rødder i disciplinen. Faktisk Vasari's Liv for de mest fremragende malere, billedhuggere og arkitekter er et forsøg på at vise den florentinske kunstneriske kulturs overlegenhed, og Heinrich Wölfflins skrifter (især hans monografi om Albrecht Dürer) forsøger at skelne italiensk fra tyske kunststilarter.

Mange af de største og mest finansierede kunstmuseer i verden, såsom Louvre, Victoria og Albert Museum og National Gallery of Art i Washington er statsejede. De fleste lande har faktisk et nationalt galleri med en eksplicit mission om at bevare det kulturelle arv, der ejes af regeringen - uanset hvilke kulturer der skabte kunsten - og en ofte implicit mission om at styrke landets egen kulturarv. National Gallery of Art viser således kunst fremstillet i USA, men ejer også genstande fra hele verden.

Kunsthistoriens disciplin er traditionelt opdelt i specialiseringer eller koncentrationer baseret på epoker og regioner, med yderligere underopdeling baseret på medier. Således kan nogen specialisere sig i "tysk arkitektur fra det 19. århundrede" eller i "toskansk skulptur fra det 16. århundrede." Underfelter indgår ofte under en specialisering. For eksempel betragtes det gamle nærøsten, Grækenland, Rom og Egypten alle typisk som særlige koncentrationer af gammel kunst. I nogle tilfælde kan disse specialiseringer være nært allierede (som f.eks. Grækenland og Rom), mens andre i andre tilfælde er langt mindre naturlige (for eksempel indisk kunst kontra koreansk kunst).

Ikke-vestlige eller globale perspektiver på kunst er blevet mere og mere dominerende i den kunsthistoriske kanon siden 1980'erne.

"Samtidskunsthistorie" refererer til forskning i perioden fra 1960'erne og frem til i dag, der afspejler bruddet fra modernismens antagelser fra neo-avantgarde [27] og en kontinuitet i samtidskunsten med hensyn til praksis baseret på konceptualistisk og postkonceptualistisk praksis.

I USA er den vigtigste kunsthistoriske organisation College Art Association. [28] Det arrangerer en årlig konference og udgiver Kunstbulletin og Art Journal. Lignende organisationer findes i andre dele af verden såvel som til specialiseringer, såsom arkitekturhistorie og renæssancekunsthistorie. I Storbritannien er for eksempel Association of Art Historians premiereorganisationen, og den udgiver et tidsskrift med titlen Kunsthistorie. [29]


Engelsk renæssances tidslinje: Nogle historiske og kulturelle datoer

Denne liste giver en oversigt over nogle historiske og kulturelle datoer fra den engelske renæssance med links til ressourcer i vores samlinger. For mere information om Elizabethan og Jacobean -teatrets verden i England, kan du tjekke afsnittet Renaissance Theatre.

  • 1558: Dronning Elizabeth I bliver kronet, og Thomas Kyd er født.
  • 1563: Martin Luthers tredive-ni artikler udgives.
  • 1564:William Shakespeare og Christopher Marlowe er født.
  • 1569: Nordengland gør oprør på vegne af Mary Queen of Scots.
  • 1570: Den katolske kirke ekskommunikerer dronning Elizabeth I.
  • 1572:Thomas Dekker og Ben Jonson er født.
  • 1574: St. Bartholomew's Day Massacre finder sted i England, som Marlowe baserede sit spil på Massakren i Paris.
  • 1576: Gardinteatret er bygget.
  • 1577: Raphael Holinshed udgiver sit Holinsheds Chronicles of England, Scotland og Ireland, den primære kildetekst for de fleste af Shakespeares historiespil.
  • 1578: James VI bliver konge af Skotland.
  • 1580: Francis Drake fuldender sin jordomsejling.
  • 1580:Thomas Middleton og John Webster er født.
  • 1584: Sir Walter Raleigh etablerer den første engelske koloni i den nye verden.
  • 1585-1604: England er i krig med Spanien.
  • 1586: Babington -planen for at myrde dronning Elizabeth I og placere Mary Queen of Scots på tronen bliver opdaget.
  • 1587: Mary Queen of Scots henrettes ved Tower of London.
  • 1587: Teaterimpresario Phillip Henslowe bygger The Rose -teatret.
  • 1588: Den spanske Armada ødelægges af Englands flåde.
  • 1592: Christopher Marlowe er anholdt i Flushing i Holland for at have opfundet.
  • 1592: Thomas Kyds Den spanske tragedie udkommer.
  • 1592: Anti-fremmede optøjer bryder ud i London.
  • 1593: Teatrene er lukket på grund af pest.
  • 1593: Christopher Marlowe bliver myrdet, Shakespeares Venus og Adonis udkommer.
  • 1594: Teatrene åbner igen, Thomas Kyd dør, og de første indspillede forestillinger af Shakespeares Titus Andronicus og The Taming of the Shrew finde sted.
  • 1597-1601: Irland gør oprør mod England.
  • 1597: Opførelsen af ​​Ben Jonson og Thomas Nashe Isle of Dogs resulterer i Jonsons arrestation, han bliver løsladt et par måneder senere.
  • 1599: Jarlen fra Essex bliver anholdt, The Globe -teatret er bygget, Shakespeares Henry V., Julius Cæsar, Som du kan lide det, Hamlet, og Meget Ado om ingenting åben, og Dekker's Skomagerferien åbner.
  • 1599-1602: Ben Jonson kæmper mod John Marston og Thomas Dekker med klogskab og ord i Theatres War, eller Poetomachia.
  • 1600: Dronning Elizabeth I tildeler East India Company sit charter.
  • 1601: Jarlen fra Essex henrettes.
  • 1602: Shakespeares Tolvte nat åbner.
  • 1603: Dronning Elizabeth I dør, og James VI af Skotland bliver kong James I af England.
  • 1605: Krudtplottet er forfalsket og Guy Fawkes pågrebet, Ben Jons Volpone åbner, og Thomas Middleton og Thomas Dekker's Den brølende pige opføres på The Fortune -teatret.
  • 1606: De første indspillede forestillinger af Shakespeares Kong Lear og Middleton The Revenger's Tragedy finde sted.
  • 1608: John Milton er født.
  • 1610: Ben Jonsons Alkymisten åbner.
  • 1612-1618: Thomas Dekker er i skyldners fængsel.
  • 1612: John Websters Den hvide djævel åbner.
  • 1613: Globe -teatret brænder ned under en forestilling af Shakespeares Henry VIII.
  • 1614: Planer begynder for den spanske kamp mellem prins Charles af England og prinsesse Anna Maria af Spanien, John Websters Hertuginden af ​​Malfi åbner, og The Globe genopbygges.
  • 1616: William Shakespeare dør, kong James I udgiver sine komplette værker og Ben Jonsons første folio udkommer.
  • 1617: Ben Jonson er udnævnt til Englands første poetvinder.
  • 1623:Shakespeares første folio udgives, og forhandlinger om den spanske kamp kollaps.
  • 1624-1630: England krige med Spanien.
  • 1624: Middletons Et spil ved skak åbner.
  • 1625: Kong James I dør og efterfølges af kong Charles I.
  • 1627-1629: England krige med Frankrig.
  • 1627: Thomas Middleton dør.
  • 1632: Thomas Dekker dør.
  • 1634: John Webster dør.
  • 1637: Ben Jonson dør.
  • 1642: Den engelske borgerkrig begynder, og det puritanske parlament forbyder teatret og lukker legehusene.

For mere historisk baggrund, tag et kig på Charlotte Barretts victorianske poesi og fiktion: Nogle historiske og kulturelle datoer.


Tidslinje for opfindelserne fra renæssanceperioden

Der var mange store, innovative ting, der blev opfundet under renæssancen. Tidslinjen for opfindelserne fra renæssanceperioden er givet i denne artikel.

Der var mange store, innovative ting, der blev opfundet under renæssancen. Tidslinjen for opfindelserne fra renæssanceperioden er givet i denne artikel.

Renæssancen var en kulturel bevægelse, der fandt sted i Europa i perioden mellem 14. og 17. århundrede. Epicentret for denne bevægelse var i Firenze, Italien, som gradvist spredte sig til Rom og resten af ​​Europa. Det var en gylden periode, der førte til udvikling af kunst, litteratur og kultur. Det menes ofte at være en bevægelse, der førte til fødslen af ​​den moderne æra med moderne tankegang og perspektiv. Selvom tiden er bedre kendt for sin kunstneriske udvikling set i Leonardo da Vincis og Michelangelos værker, var der mange bemærkelsesværdige opfindelser i denne periode. Måske en af ​​de vigtigste er trykpressen, der markerede et paradigmeskift inden for uddannelse og litteratur. For at uddybe yderligere er tidslinjen for renæssancens opfindelser givet i afsnittene nedenfor.

Store opfindelser

Under renæssancen var der mange nye opfindelser og opdagelser, der ændrede den måde, folk arbejdede eller så på tingene. Nogle af de dagligdags ting, vi bruger i dag, er dem, der blev opfundet i den periode. De var alle virkelig revolutionære og unikke, og verden er, hvad den i dag skyldes dem.

År Opfindelser og opdagelser
1300 Det første mekaniske ur.
1366 Vægte til vejning.
1400 Den første golfbold blev opfundet
1411 Udløseren til pistolen. Det første klaver kaldet Spinet opfandt.
1420 Oliemaleri blev opfundet.
1421 Hejseudstyr opfundet i Firenze.
1450 Linser til nærsynede mennesker opfundet af Nicholas of Cusa.
1456 Trykkeri af Gutenberg.
1465 Drypoint -graveringer opfundet.
1475 Snudebelastede rifler opfundet i Italien.
1485 Leonardo da Vinci designet den første faldskærm.
1487 Klokke klokker.
1494 Whisky i Skotland.
1500 De første vasketoiletter blev inviteret.
1510 Lommeur opfundet af Peter Henlein.
1514 Nicolaus Copernicus fastslog, at universets centrum ikke er Jorden, men Jorden ligger i nærheden af ​​den.
1520 Ferdinand Magellan blev den første europæer til at se en galakse på himlen, og han kaldte den “Magellan Penguin ”. Han opdagede også Magellanstrædet.
1568 Øl på flaske blev opfundet i London.
1589 Strikemaskine opfundet af William Lee.
1590 Sammensat mikroskop opfundet af Zacharias Janssen.
1593 Galileo Galilei opfandt vandtermometeret.
1608 Det første brydningsteleskop blev opfundet af Hans Lippershey.
1620 Den første ubåd blev opfundet af Cornelis Drebbel.
1624 Slide Rule blev opfundet af William Oughtred.
1625 Metode til blodtransfusion blev opfundet af Jean Baptiste Denys.
1636 W. Gascoigne opfinder mikrometeret.
1642 Tilføjemaskine opfundet af Blaise Pascal.
1643 Barometer opfundet af Torricelli.
1650 Den første luftpumpe.
1656 Penduluret blev opfundet af Christian Huygens.
1660 Gøguret blev først lavet i Schwarzwald, Tyskland.
1663 Det første reflekterende teleskop blev konstrueret af James Gregory.
1670 Champagne blev opfundet af Dom Perignon.
1671 Den første regnemaskine opfundet af Gottfried Wilhelm Leibniz.
1671 Sir Isaac Newton udgiver sit hovedværk, Principia, som indeholder de tre bevægelseslove og loven om universel gravitation.
1679 Trykkoger opfundet af Denis Papin.
1698 Damppumpe opfundet af Thomas Savery.

Disse var nogle af opdagelserne og nyskabelserne under renæssancen. Ovenstående liste hjælper dig med at få en bedre idé om den kronologiske rækkefølge, de blev lavet i. Alle disse opfindelser havde en stor indflydelse på udviklingen af ​​kunst og videnskab og er derfor meget vigtige for menneskeheden.


Hvad er den italienske renæssance?

Den italienske renæssance fandt sted mellem det 14. og 17. århundrede i Italien. Afledt af ordet Rinascimento, eller “fødsel, ” Renæssancen ses generelt som en oplyst tidsalder for kunst og arkitektur på grund af en fornyet kulturel interesse for klassisk antik.

Den tidlige renæssance ” betegner perioden mellem 1400 og 1490, hvor kunstnere som Fra Angelico og Botticelli begyndte at eksperimentere med realisme.

Sandro Botticelli, Venus 'fødsel (1480'erne) (Foto: Uffizi via Wikimedia Commons)

Mellem 1490 og 1527 producerede kendte italienske kunstnere som Da Vinci, Michelangelo og Raphael særligt berømte kunstværker. Denne periode kaldes ofte “højrenæssancen. ”


Renæssance og reformation

Den sorte død, som var en af ​​de mest ødelæggende pandemier i historien, dræbte omkring 30-60% af Europas befolkning.

Renæssancens begyndelse

Renæssancen var en intellektuel og kunstnerisk bevægelse, en tid med vækst og ekspansion for kunsten såvel som videnskaberne.

Jeanne d'Arc og belejringen af ​​Orleans

Vendepunktet i 100 års krigen mellem England og Frankrig var også Joan of Arc ' s første militære sejr.

Johann Gutenberg opfinder trykpressen

Opfindelsen af ​​trykpressen revolutionerede studierne inden for kunst og videnskab samt fremstilling af bøger.

Starten på den spanske inkvisition

Designet til at slippe af med alle ikke-katolikker (dvs. jøder og muslimer), var det en af ​​de mest dødelige inkvisitioner nogensinde.

Botticelli maler Venus 'fødsel

Et af de mest berømte kunstværker under renæssancen, det blev malet som et resultat af det platoniske akademi, maleriet var kontroversielt på grund af dets seksuelle natur, der skubbede grænserne dengang.

Columbus opdager Amerika

Columbus 'opdagelse ville føre til oprettelsen af ​​Amerika 100 år senere, hvilket ville føre til den vestlige verden, som vi kender den.

Italienske krige

En række konflikter, der opstod på grund af dynastiske tvister om hertugdømmet Milano og kongeriget Napoli.

Michelangelo maler det sixtinske kapel

Tvunget af paven blev 9 scener fra de gamle testamenter malet på væggene og lofterne i kapellet af Michelangelo.

Machiavelli skriver prinsen

Betragtes som et af de tidligste værker inden for moderne filosofi, og blev udgivet efter Machiavellis død af frygt for kontroverser.

Martin Luther 95 teser

Ved at lægge sine problemer med kirken på kirkedøren blev han ekskommuniseret fra den katolske kirke, han skabte den form for kristendom, vi kender i dag som protestantisk.

Kost af orme

Den mest berømte diæt (kejserlig diskussion) af orme var den, Martin Luther deltog i 1521, hvor han blev betragtet som en kætter og forbudt fra Det Hellige Imperium.

67 afhandlinger

Ved Zürich -disputationen fremlagde Ulrich Zwingli sine 67 teser, som omfattede mange emner og - fordi det var vellykket - forårsagede en omfattende reform.

Starten på den europæiske religionskrig

Krigene, der blev udkæmpet mellem katolikkerne og protestanterne, blev forårsaget af den protestantiske reformation i Vest- og Nordeuropa.

Bondeoprøret

De tyske bønder blev rasende over fuedalsystemet og de stigende priser og besluttede først at gøre oprør- men det blev hurtigt dødeligt- mere end 40 tyske klostre og slotte blev brændt.

Krav om Phlilppines

Ferdinand Magellan gør krav på Filippinerne for Spanien, som bliver kendt som den første efterfølgende konvertering til katolicisme og den første i Østasien.

Den Augsburgske bekendelse

Oprettet som et resultat af parlamentets møde og løsning af de politiske, sociale og religiøse problemer, som reformationen skabte, er dokumentet stadig den lutherske doktrinære standard.

Den Schmalkaldiske Liga

Dannet i vinteren 1530 som en defensiv alliance mod imperiet.

Henry den 8. i England ekskommunikeret

På grund af at annullere sit første ægteskab og blive gift igen uden kirkens tilladelse, blev Henry den 8. i England ekskommuniseret.

Overlegenhedsakt

Henry den 8. erklæres som det øverste leder af Church of England.

Etablering af Church of England

Henry den 8. etablerede den nye uafhængige enhed Church of England.

Henrettelse af Thomas More

Thomas More blev henrettet af kong Henry den 8., da han nægtede at acceptere hans påstand om at være det øverste chef for Church of England.

Fyrre martyrer i England og Wales

En gruppe mænd og kvinder, der blev henrettet for forræderi og tilhørende lovovertrædelser i Kongeriget England.

Mennoniternes grundlag

Denne gruppe er skabt af Menno Simmons og har påvirket Hutteritterne, Quakers, Baptister og Amish.

Etablering af romersk inkvisition

Den romerske inkvisition var et system af domstole (lidt som et retssystem), der var ansvarlig for at retsforfølge personer, der blev anklaget for en lang række forbrydelser vedrørende religiøs doktrin/alternativ religiøs overbevisning.

Grundlæggelsen af ​​jesuitordenen

Jesuitordenen, grundlagt af Ignatius Loyola, spredte Guds ord medlemmerne af Jesu Selskab, der var kendt som jesuitter og blev betragtet som guds soldater.

Religionsartikler

Fyrre-to religionsartikler udgives af ærkebiskop Crammer.

Grundlæggelse af det pavelige gregorianske universitet

Det gregorianske universitet var det første universitet grundlagt af jesuitterne. Gregorianeren har en af ​​de største teologiske afdelinger i verden.

Fred i Augsburg

Resultatet blev et toleransedikt for lutherdommen og blev kendt som & quotcuius regio, euis religio & quot, hvilket betyder, at hver prins kunne vælge religionen for sit område.

Etablering af den anglikanske kirke

Etableringen af ​​den anglikanske kirke afsluttes af de 39 artikler

Heidelberg -katekismen

En af de vigtigste calvinistiske trosudsagn, det er et protestantisk bekendelsesdokument, der bruges i læren om reformeret kristen doktrin.

Organisation af Holy League

Pave Pius den 5. organiserer Holy League, som ledes af Don Juan de Austria, for at forsvare Europa mod de større islamiske osmanniske styrker.

Udgivelse af Bishops ' Bible

Denne bibel, en revision af den store bibel kontrolleret mod den hebraiske tekst, anses for at være den første bibel, der blev udgivet i England af bispemyndighed.

Saint Bartholomews massakre

Skarer af franske katolikker dræbte protestanter under de franske religionskrige, det menes, at massakren begyndte på grund af kong Charles 9.s søster Margaret, der giftede sig med den protestantiske kong Henry den 4..

Udvisning af jesuitter

Jesuitterne udvises fra Kyushu af Toyotomi Hideyoshi.

Mission Nombre De Dios

Denne mission i St. Augustine, Florida, anses for at være den første katolske mission til Nordamerika.

Dannelse af ukrainsk katolske kirke

Kirken er dannet efter ukrainske undersåtter af kongen af ​​Polen genforenet med Rom, den er også den største byzantinske katolske kirke.

Indrømmelse af chartret

Elizabeth den 1. giver charter til East India Company, hvilket giver flere muligheder for handel.

Trediveårskrigen

Tyskland blev invaderet af Østrigs kejserhære og derefter senere af svenskerne, der kom for at hjælpe protestanterne i denne periode, brød samfundet sammen, og to tredjedele af befolkningen døde som følge af hungersnød, krigsførelse og pest.

Fred i Westfalen

Denne række af traktater var starten på adskillelsen af ​​kirke og stat, og calvinister blev tilføjet til listen over tolererede regioner, hvilket bragte stabilitet.


Se videoen: Exillion - Italiensk renæssance u0026 Fransk barok. Italian renaissance u0026 French Baroque